P/CAS – PARIS CONTEMPORARY ART SHOW by YIA ART FAIR (SINCE 2010)

/ LE CARREAU DU TEMPLE (PARIS)

OCTOBER, 18 – 21, 2018

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EDITION 2018 (next edition):

Founded in 2010 in Paris, the P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair is an international modern and contemporary art fair orchestrated around solo shows or statement proposals of artists represented by their gallery.

Fondé en 2010 à Paris, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair est une salon d’art contemporain et  d’art moderne orchestré autour de solo-shows ou propositions de statements d’artistes représentés par leur galerie.

For the autumn Contemporary Art Week, the P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair put a light on an emergent contemporary scene as an historic one to expose in Paris a selection of 65 international galleries of excellence, all present on the worldwide contemporary art loop.

A l’occasion de la semaine de l’art contemporain d’automne, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair mets en lumière une scène contemporaine émergente et historique pour exposer à Paris une sélection de 60 galeries internationales d’excellence ; et toutes présentes sur le circuit mondial de l’art contemporain.

Since its creation, the P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair became in Paris the fair of reference during the FIAC. Depuis sa création, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair est devenu à Paris le salon de référence pendant la FIAC. Organized in the main Nave of Carreau du Temple – which represents as well as the Grand-Palais an exceptional exhibition place in Paris, the P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair hosts every year a more than 18,000 visitors (collectors, sponsors, art professionals, journalists, artists and art lovers) and is glad to present a sight on an eclectic French and international scene.

Organisé sous la Nef du Carreau du Temple qui est à l’instar du Grand-Palais un lieu d’exposition d’exception à Paris, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair accueille chaque année un public de plus de 18 000 visiteurs (collectionneurs, mécènes, institutionnels, professionnels de l’art, journalistes, artistes., amateurs d’art) pour présenter un nouveau regard sur une scène éclectique française et internationale.

This year, the P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair opens up on Thursday, 18th of October until Sunday, 21st of October 2018;  on the dates of the Contemporary Art Week an the FIAC, in Paris.

Cette année, le salon YIA – YOUNG INTERNATIONAL ART FAIR ouvre ses portes du jeudi 18 octobre au dimanche 21 octobre sur les dates de la semaine de l’art contemporain et de la FIAC à Paris

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FIRST LIST (14 NATIONALITIES REPRESENTED): 

AC CONTEMPORARY ART (Buenos-Aires, AR) / GALERIE AKIÉ ARICHI (PARIS, FR) / ALG GALERIE (Aix-en-Provence, FR) / GALERIE ANNE-CLAIRE SIMON (Paris, FR) / GALERIE ANNIE GABRIELLI (Montpellier, FR) / ANTIDOTE (Dubai, AE) / ARTELLI GALLERY (Brussels, BE) / ART SABLON – JONATHAN KUGEL (Brussels, BE) / ART VISION MONDE (Paris & Pekin, FR & CN) / GALERIE BARROU PLANQUART (Paris, FR) / GALERIE BAYART (Paris, FR) / GALERIE BERNARD VIDAL – NATHALIE BERTOUX (Paris, FR) / BIG TIME ART (Barcelona, ​​SP) / BY CHATEL FINE ARTS (Paris, FR) / COM. AMÉLIE PIRONNEAU (Paris, FR) / COM. MORGANE TSCHIEMBER (Paris, FR) / COURCELLES ART CONTEMPORAIN (Paris, FR) / INTUITI – CHRISTOPHE GRATADOU (Paris, FR) / KAMAKURA GALLERY (Kamakura, JP) / KOGURE GALLERY (Tokyo & New York, JP & US) / MARCO ANTONIO PATRIZIO (Padova, IT / GALERIE MARGUERITE MILIN (Paris, FR) / GALERIE MARISKA HAMMOUDI (Paris, FR) / MAUS CONTEMPORARY (Alabama, US) / MH ART GALLERY (Bilbao, ES) / NATIONALE 8 GALERIE (Brussels, BE) / NL = US Art (Rotterdam & New York, NL & US) / PERSONA CURADA(Berlin, DE) / GALERIE PETER BERTOUX (Paris, FR) / GALERIE SÉGOLÈNE BROSSETTE (Paris, FR) / S.Y.S.T.E.M.A (Osaka, JP) / THE RODGER PROJECT (New York, US) / URDLA – Centre international estampe et livre (Villeurbanne, FR) / V & E ART (Taipei, TW)  / WINARTS (Milan , IT) / WUNDERKAMMERN (Milan, IT) / GALERIE YUKIKO NAKAJIMA (Osaka, JP) / .DOT (Bratislava, SK)

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AC CONTEMPORARY ART (BUENOS-AIRES, ARGENTINE) 

www.accontemart.com

Artists represented: Ana VOGEL, Juan NIETO MARIN, Lyann FUENZALIDAF.

AC Contemporary Art, inserted in the art market of Argentina since 2004, our team consists of multidisciplinary professionals: Cecilia Maguire, Curator and art specialist with 25 years of experience in art. Cristina de la Vega, specialized in communication and market management. We have participated in several art exhibitions nationally and internationally: In Argentina, in Expotrastiendas from 2004 to 2011, the art fair organized by the Argentine Association of Art Galleries. Starting in 2010 and as part of our growth strategy, we have begun to participate in international fairs such as: MIA Art Fair (2011), Miami Arteaméricas 2011 and 2012; ArtSan Diego 2011; San Diego, 2012. ArtExp New York 2014, 2015, 2016. Emerge Art Fair, Washington DC. RedDot Basel Week, Miami 2015. AQUA ART MIAMI 2016 Basel Art Week in Miami. 2017: Wynwood Art Fair – Miami, February 2017. SCOPE ART SHOW Basel Switzerland June 2017; ARTMALAGA Spain, July 2017. AQUA ART MIAMI 2017 – SCOPE ART SHOW 2017 (Basel Week Miami 2017). ARTMARKET SAN FRANCISCO 2018 Within our project we have organized, within the framework of positioning strategies as a gallery, collective exhibitions of Argentine artists in the city of Miami, in conjunction with local galleries and supported by the Argentine Consulate in Miami. As part of our work we will participate in the Basel week that will take place in Miami, Florida among the most important events at the end of the year. Our proposal aims to show sections of the new Latin American art and the Southern Cone; some of the many artistic expressions whose works explore varied techniques and materials, projecting a mapping of Latin America and its expressions of art. We are aware of international art fairs as a screen, a large window and a great opportunity for our most outstanding and creative artists.
// ANA VOGEL Ana Vogel. Courtesy AC contemporary art.
// Juan NIETO MARIN Juan Nieto Marin. Courtesy AC contemporary art.
// Lyann FUENZALIDAF Lyann Fuenzalidaf. Courtesy AC contemporary art.

NL = US Art (ROTTERDAM & NEW-YORK, PAYS-BAS & ETATS-UNIS) 

www.nlisus.com

Artists represented: Willem BESSELINK, Miriam KRUISHOOP, Pim PALSGRAAF.

NL=US Art is a private gallery and art consulting service that is dedicated to the promotion of emerging and established artists and the advancement of the visual arts in general. Other than the gallery, our services include private and corporate art advisory and the professional support for our visual artists. The gallery is committed to enhancing the visibility and appreciation of contemporary art.

// Willem BESSELINK

Le travail de Willem Besselink résulte de sa fascination pour les structures qui nous entourent dans notre quotidien. Invisibles de prime abord, celles-ci deviennent de plus en plus apparentes et présentes au cours du temps. Le point de départ de leur examen provient souvent de petits événements, anodins, et souvent personnels. Besselink investit ainsi sa propre vie et devient ainsi à la fois celui qui observe et celui qui est observé.

Willem Besselink’s work derives from a fascination with structures that are embedded within daily occurrences. Structures that are invisible at a given point, but through recurrences become apparent in time. The starting points for these examinations are small, trivial and often personal events. The observations’ personal nature determines methods whereby the researcher (Besselink) is both the observer and the observed. L’objet et le lieu de cette observation déterminent le moyen, la technique et la dimension des œuvres. Ces dernières découlent directement de ce travail d’analyse, d’enregistrement et de visualisation, et peuvent prendre différentes formes : de dessins de taille réduite à de plus larges installations. What is observed and the site of where the observation is made determine the medium, technique and dimensions of the works. The derived works from the observing, registering and visualizing take on a wide range of different media: from small drawings to large installations. Willem Besselink, MXS1382_o, 2013, At Art at the Warehouse. Willem Besselink. tapepaneel 2018 #1 #2 #3,tape on panel dimension, each 30 x 30 cm, edition 3.

// Pim PALSGRAAF

Le clivage entre la nature et l’industrie, le biologique et non biologique, est un aspect fondamental du travail de Pim Palsgraaf. L’environnement qui l’entoure fait partie intégrante de son art, et nourrit chez lui des sentiments contraires, entre adoration et mépris. Les rapports de force entre la nature et les hommes sont ainsi au centre de ses œuvres.

The dichotomy between nature and industry, the organic and inorganic, is a fundamental aspect of Pim Palsgraaf’s work. His environment is integral to his art, as for him, it resonates both veneration and disdain.

Dans la série “Multiscape”, Palsgraaf examine les effets de l’extension architecturale et urbaine à travers des formes sculpturales. Pour cela, l’artiste construit des villes lugubres sur des animaux empaillés. Ces dernières apparaissent comme des sortes de tumeurs sur l’animal, soulevant la problématique des relations entre nature et constructions humaines. Dans sa série de peintures correspondante, Palsgraaf se concentre sur la perspective que ses sculptures ne peuvent pas atteindre. Dans ces intérieurs clandestins, le spectateur découvre des chambres désertes, des couloirs froids et des plafonds en danger d’effondrement. En révélant leur déclin, les environnements des hommes mis en avant par Palsgraaf sont lentement regagnés par la nature.

In the “Multiscape” series, Palsgraaf examines the effects of architectural urban expansion through sculptural forms. The invasive qualities of this growth are apparent in his embedding of cityscapes into taxidermic animals. In his related series of paintings, Palsgraaf’s focuses on the perspective his sculptures cannot reach. In these clandestine interiors, the viewer discovers deserted rooms, damp corridors and ceilings in danger of sudden collapse. Revealing their decline, Palsgraaf’s environments of men are slowly reclaimed by nature.

Pim Palsgraaf. Speicher room 02 2018, mixed media, 33 x 26 cmfound wallpaper stained by moist and decay of the abandoned ‘Nudlefabrik’ in Zeitz (DE). Pim Palsgraaf. Mycose city 23, 2017, 45 x 46 x 91cm (17.7 x 18.1 x 35.82 inch), (pedestal 30 x 33 x 111 cm ), (11.81 x 12.99 x 43.7 inch), Mixed media.

// Miriam KRUISHOOP

Kruishoop n’exerce pas un mais plusieurs arts. En tant que réalisatrice, son talent ainsi que son style sont uniques. Elle écrit et édite la plupart de ses œuvres elle-même. Alors que ses films mettent principalement en avant des personnages masculins plein de contradictions, son art conceptuel donne principalement à voir des femmes et est une extension directe d’elle-même. Ses œuvres s’incarnent dans différentes formes, de l’installation au néon en passant par la photographie. A travers un nombre important d’œuvres, Kruishoop interroge le rôle et la représentation des femmes dans la société. Kruishoop works in different media: as a filmmaker she has a unique talent and style. She writes and edits most of her work herself. While Kruishoop’s films predominantly feature conflicted male characters, her conceptual art mainly features women and is a direct extension of herself. As a visual artist Kruishoop works in different media, including installation art, neon and photography. Through a number of different series of works, she has sought to raise challenging and important questions about the role and representation of women in society. Plus récemment, Kruishoop a remporté plusieurs prix pour son dernier film ‘Greencard Warriors’, dont celui du meilleur réalisateur au Latino Film Festival ainsi qu’au New York International Film Festival.
Most recently Kruishoop won several awards for her latest film ‘Greencard Warriors’, including the ‘Best Director Award’ at the LA Latino Film Festival and the New York International Film Festival. Miriam Kruishoop. Hashtag Medium, red neon, 15.3 x 15.3 cm, 2014. Miriam Kruishoop. Jenny crying, 2012, (series HURT), C print + Durst Lambda, 68 x 103 cm (framed). Edition 7.   //
GALERIE ANNE-CLAIRE SIMON (Paris, FRANCE)

Artists represented: FRANÇOIS FRIES, TAO MAO, VIOLAINE VIEILLEFOND.

Née d’une volonté durable de promouvoir la culture dans laquelle sa fondatrice a grandi, la Galerie Anne-Claire Simon se spécialise dans la scène française actuelle avec des artistes français (ou établis en France), majoritairement émergents. En lien avec les affinités de la galeriste, la programmation évolue dans un univers conceptuel et mystique. Accordant une place centrale à la scénographie et à la narration l’accompagnant, elle espère donner une nouvelle dynamique à la galerie d’art, s’attachant notamment à imaginer l’espace d’exposition comme une composition élaborée et tridimensionnelle.

Born from a long-time wish to promote the culture in which her founder grew up, the Gallery Anne-Claire Simon is specialized in current French Scene, with French artists and artists established in France, predominantly emerging. In link with the affinities of the gallerist, the program evolves in a conceptual and mystical universe. With an important role dedicated to scenography and narration, she hopes to bring a new dynamic to art galleries, imagining the exhibition space like a tridimensional elaborated composition. Le thème choisi pour YIA est La Nuit. Les artistes proposeront une réflexion autour de leurs observations de celle-ci, dans une unité picturale de noir et bleu à la ligne abstraite. The theme chosen for YIA is The Night. Artists will be offering a reflection around their observations of it, in a pictorial unity of black and blue, within an abstract line.

// FRANÇOIS FRIES

François Fries est un artiste français qui vit et travaille à Paris. Après des études de philosophie et d’histoire de l’art, sa carrière l’oriente d’abord vers le cinéma. Il produit et réalise ainsi de nombreux courts et longs métrages. C’est grâce à l’art vidéo qu’il commence à travailler en atelier, et que sa popularité se développe. Progressivement, il montre son travail dans des foires et salons. La peinture est déjà présente dans son travail, et bien qu’il n’ait jamais cessé de la pratiquer, ce n’est que plus tard, dans les années 2000, qu’elle deviendra le centre de sa production artistique, venant soutenir la volonté d’un travail plus personnel et introspectif. Pour accompagner son univers d’expérimentation autour des fluides et de l’observation de la nature, il continue d’écrire. C’est dans ce contexte pluridisciplinaire, où les pratiques se répondent et se complètent, que François Fries peut pleinement questionner les thèmes qui l’inspirent.

François Fries is a French artist, living and working in Paris. After studying philosophy and art history, his career first led him to cinema. He has produced and directed numerous short movies and feature-length films. Thanks to video art, he started working in studios and his popularity started to rise. Progressively, he has able to exhibit his work at fairs. Painting was already present in his work and although he never stopped practicing, it is only in the beginning of the 2000s that it became the core of his artistic production, along with the willingness of a more personal and introspective work. To support his universe of experimentation around fluids and the observation of nature, he continues to write. It is in this multidisciplinary context, where practices complement one another, that François Fries can fully question the themes that inspire him. 

François Fries, L’eau claire avant l’automne, 130x130cm, acrylique sur toile, 2017

 

// TAO MAO

Tao Mao est un artiste chinois né en 1987. Il vit et travaille à Paris où il s’est installé en 2011. Après des études à la Willem de Kooning Academie de Rotterdam, la China Central Academy of Fine Arts de Pékin et à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris – sous l’aile de l’artiste français Jean-Luc Vilmouth – il prend son envol et présente sa démarche conceptuelle en donnant aux émotions la matérialité qu’il leur imagine. Il est également amateur d’expériences et utilise la science dans son processus créatif dans le but de transformer le rationnel en rêverie. Mao Tao propose ainsi d’aborder avec humour des sujets inattendus. Son travail est une ode à la vie et à son instantanéité, inspiré par tout ce qui fait notre quotidien. Sa force est de savoir y trouver la poésie, et parfois même le réconfort. Que ce soit à travers ses souvenirs ou ses expériences actuelles, il invite le spectateur à appréhender de petits détails avec la même fascination que lui.

Tao Mao is a Chinese artist born in 1987. He lives and work in Paris since 2011. After studying at the Willem de Kooning Academie in Rotterdam, the China Central Academy of Fine Arts in Beijing and at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris – under the wing of French artist Jean-Luc Vilmouth – he took wing and offers a conceptual approach giving emotions the materiality he imagines for them. He also likes experiences and uses science in his creative process as a mean to transform the rational into reverie. Mao Tao addresses unexpected subjects with humor. His work is an ode to life and his instantaneity, inspired by everything that builds our everyday life. His strength is to know where to find poetry, and sometimes even solace. Whether it is through memories or current experiences, he invites the spectator to apprehend small details with the same fascination as him.

Tao Mao, DUST TO DUST 3, 100,3 x 142,2 cm, 2009-2013.

// VIOLAINE VIEILLEFOND

Violaine Vieillefond est une artiste française née en 1970. Elle vit et travaille à Paris et dans son atelier de Vitry-sur-Seine, où elle est nourrie depuis l’enfance par des croisements d’influences scientifiques et artistiques, ainsi que d’un goût pour les voyages dans le temps et l’espace. A 17 ans, en Californie, elle découvre l’expressionnisme abstrait américain, les grands formats, les color-fields, ainsi que la photographie, qu’elle pratiquera à partir de ce moment-là parallèlement à son travail pictural. Ingénieur et artiste plasticienne, elle a toujours été fascinée par les images et les expériences vécues lors de ses études scientifiques : fluides colorés en mouvement, mondes micro et macrocosmique, qui vont dès lors habiter son univers et influencer sa démarche artistique. Par la technique utilisée autant que par leurs formes, dans lesquelles le hasard occupe une grande place, ses peintures mettent en lumière le caractère mouvant de l’eau et son vaste potentiel esthétique et émotionnel. Son travail nous plonge dans un univers de formes en métamorphoses, organiques et cartographiques, et nous conduit à un questionnement sur le vivant. C’est dans le lien avec la nature, l’eau en particulier, et lors de voyages qu’elle trouve matière à sa réflexion.

Violaine Vieillefond is a French artist born in 1970. She lives and works in Paris and in her studio in Vitry-sur-Seine, where she was nourished since her childhood with mixed scientific and artistic influences, as well as a pronounced taste for time and space travels. At 17, she discovers American Abstract Expressionisms, large formats, color-fields, as well as photography, that she will be practicing from that moment on, in parallel of her pictorial work. Engineer and plastic artist, she was always fascinated by the pictures and the experiences she lived during her scientific studies: moving colored fluids, micro and macrocosmic worlds, that will become part of her universe and influence her artistic approach. The technique as well as the forms used, where hazard has a central role, bring the light on the movement of water in her paintings and its aesthetic and emotional potential. Her work brings us to a universe of metamorphosed forms, organic and cartographic, and leads us to a questioning of the living. It is in this link with nature, water in particular, as well as during her trips that she finds the material for her reflection.

Violaine Vieillefond, Tout autour il y a le gouffre (prusse 1) 80×120, 2016.

BIG TIME ART (BARCELONE, ESPAGNE) 

www.oriolsabat.com

Artist represented: ORIOL SABAT

Mascara mirant et cosmos. 56,50×37,50 cm, 2014.

COMMISSARIAT AMÉLIE PIRONNEAU (PARIS, FRANCE)

Artist represented: SHAHLA DADSETAN.

// SHAHLA DADSETAN

La peinture de Shahla Dadsetan procède d’une réflexion à la fois philosophique et scientifique sur les mouvements de l’univers, sur les métamorphoses de la matière qui le constitue, sur les forces qui le traversent. Dans le processus de réalisation des tableaux, l’artiste utilise tous les moyens picturaux pour donner une visibilité et inviter à méditer le monde cosmique, cet au-delà des frontières du monde connu propice à notre imaginaire en dépit des découvertes scientifiques. Sur un mode sériel, Shahla Dadsetan joue avec les éléments constitutifs de la peinture, le format, la couleur, la ligne. La matière picturale se fait matière vivante faite d’ombre et de lumière, évocatrice de la substance même de l’univers. Saisies dans le mouvement de leur circulation dans l’espace et le temps, des formes apparaissent entre surgissement et effacement, sortes de figures élémentaires consubstantielles au monde cosmique. Ses tableaux sont une transposition méditative des éléments mis au jour par la science qui nous invite à la fois à la contemplation et à la réflexion sur notre rapport au monde. Riche d’une triple culture: père iranien, mère polonaise, études universitaires d’architecture, Architecture Intérieure et Design de FACH HOCH SCHULE KÖLN (1962 – 1967) en Allemagne. Son métissage Culturel, par ses origines (Perse, Pologne), sa formation (en Allemagne puis en France), a favorisé une transdisciplinarité créatrice, grâce à l’approfondissement de l’Architecture, du Design et des Sciences Appliquées. Elle a notamment exposé a l’espace des Coutures Saint Gervais (Paris) en 2017, Galerie Grk en 2015, galerie Charlotte Norbert en 2013, au Château de fernelmont en Belgique, au Salon européen de Cantanhede (Portugal), Galleria La Pigna Roma, au Beffroi de Bruges.

Shahla Dadsetan. Sans titre, Pigment et médium acrylique sur toile 89 x 146cm, 2018.

NATIONALE 8 GALLERY (BRUXELLES, BELGIQUE) 

www.nationale8gallery.be

Artists represented: DOMINIQUE VANGILBERGEN, FREDERIK BUYCKX, KITO MBIANGO.

// DOMINIQUE VANGILBERGEN Un artiste belge qui vit et travaille à Berlin. Il qualifie son œuvre de “radiographies”. Il va vers l’essence du dessin, en couleur et matériel, avec de l’encre, de la peinture et du papier. En excluant de nombreuses couleurs, il crée une atmosphère insaisissable. Sa technique demande particulièrement beaucoup de temps et de patience pour, couche après couche, faire arriver l’œuvre à son terme. En tant qu’artiste flamand, il se reconnaît dans la tradition séculaire des sculpteurs. Ses “glass houses” et “watch houses” sont exposées chez des collectionneurs en Belgique et à l’étranger. Dominique Vangilbergen. Dominique Vangilbergen.

// FREDERIK BUYCKX

Frederik Buyckx was born in 1984 in Antwerp, Belgium. He received a Master’s Degree in Advertising Design at St-Lucas Antwerp and studied photography until 2013 at the Royal Academy of Fine Arts in Ghent, Belgium. Frederik became a freelance photographer in 2010. Since then, he started working for national and international media. Besides assignments he mainly focuses on personal projects. For his series “Jesus, Make-Up and Football” he documented the daily life in the favelas in Rio de Janeiro. The work won several awards, including a World Press Photo Award in 2013, and was published in a book by Lannoo (Belgium). In 2017 Frederik was named ‘Photographer of the Year’ at the Sony World Photography Awards. Work has been published in: National Geographic Magazine(NL), The New York Times Newspaper/Style Magazine(USA), The Sunday Times Magazine(UK), CNN Photo Blog (USA), VIEW/Stern Magazine (GER), The New Times Magazine(RUS), Vice.com(UK/FR/BE/ES), PDN Magazine(USA), De Standaard Newspaper and Magazine(BE), GUP (NL), NRC Handelsblad (NL), Knack Weekend Magazine (BE), De Morgen Newspaper(BE), Shoot Magazine(BE), Photo Digital Magazine(NL), Pf Magazine(NL), DIGIFOTO Pro Magazine(NL) … Frederik Buyckx. Frederik Buyckx.

// KITO MBIANGO

Kito Mbiango is een Congolees-Belgisch kunstenaar die leeft en werkt in Brussel en Miami. In zijn schilderijen en digitale prints vervagen culturele grenzen, waarbij Kito inspiratie vindt in oude foto’s, wetenschappelijke tekeningen en kaarten. Dit materiaal verwerkt Kito tot een nieuwe beeldtaal waarbij kleuren, texturen en geometrische vormen gebruikt worden om de eeuwige dans tussen de mens en de natuur vorm te geven. De gevoeligheid van het werk vindt zijn oorsprong in Mbiango’s Afrikaanse roots en zijn vele rondreizen over de hele wereld. Hij brengt een ode aan de tijdloze cultuur waarbij verbeelding realiteit wordt. Kito Mbiango had diverse solo exposities in de Verenigde Staten en was meermaals aanwezig op Miami Art Basel. Kito Mbiango est un artiste belgo-congolais qui vit et travaille à Bruxelles et Miami. Puisant son inspiration dans d’anciennes photographies, des dessins scientifiques et des cartes, il brouille les frontières culturelles dans ses toiles et impressions numériques. Kito transforme ces matériaux en un nouveau langage visuel dans lequel les couleurs, textures et formes géométriques sont utilisées pour façonner la danse éternelle entre l’homme et la nature. La sensibilité qui émane de son œuvre provient des racines africaines de l’artiste et de ses nombreux voyages autour du monde. Il rend hommage à la culture intemporelle, où l’imagination devient réalité. Kito Mbiango a présenté plusieurs expositions solos aux Etats-Unis et a exposé à plusieurs reprises au Miami Art Basel. Kito Mbiango is a Belgian-Congolese artist who lives and works in Brussels and Miami. His paintings and digital prints blur cultural boundaries, with Kito finding inspiration in old photographs, scientific drawings and maps. Kito transforms this material into a new visual language in which colors, textures and geometric shapes are used to shape the eternal dance between man and nature. The sensitivity of the work originates from Mbiango’s African roots, the influence of his Flemish grandmother who was a master in ikebana and his many travels. He pays tribute to the timeless culture where imagination becomes a reality. Kito Mbiango had several solo exhibitions in the United States and was present several times at Miami Art Basel.

Kito Mbiango.

Kito Mbiango.

PERSONA CURADA (BERLIN, ALLEMAGNE)

www.persona-curada.com

Artists represented: Andrés ANDREANI, Pablo RODRIGUES BLANCO, Raisa BOSICH, Santiago ESSES, Sofia ROCHA-CASENAVE.

Persona / Curada est un projet curatorial expérimental et itinérant pour des artistes contemporains latino-américains qui sont actuellement basés et travaillent en Europe. Nous nous engageons à favoriser les opportunités de recherche et de collaboration pour les artistes émergents, tout en favorisant les liens culturels et sociaux entre l’Amérique latine, l’Europe et ses diasporas mondiales. Persona/Curada commande des artistes et des écrivains en leur offrant des modes d’exposition et de diffusion nouveaux et nomades à travers leur exposition principale et leurs programmes publics (événementiels et à court terme), en cours de développement. Notre approche innovante est guidée par l’objectif de remettre en question les formes dominantes de production culturelle dans la sphère publique. Nous sommes investis dans l’ouverture de nos programmes au public local et dans l’extension des programmes via des formulaires numériques.

Persona / Curada is an experimental and itinerant curatorial project for Latin American* contemporary artists who are currently based and working in Europe.

We are committed to nurturing research and collaboration opportunities for emerging artists, while fostering cultural and social links between Latin America, Europe and its worldwide diasporas. Persona / Curada commissions artists and writers, offering them new and nomadic modes of exhibition-making and dissemination through its core exhibition and public programs (event based and short-term), currently under development. Our innovative approach is guided by the aim of challenging dominant forms of cultural production in the public sphere. We are invested in opening our programs outwards to local audiences and extending programs through digital forms.

// Pablo RODRIGUES BLANCO

Sa pratique artistique concerne la recherche de connaissances procédurales. Le genre de connaissance qui ne se trouve pas dans les livres, mais qui est capable de se développer dans différents domaines. Une sorte de savoir qui vient de l’errance dans la rue et de l’observation des jeux d’enfants, qui ne cesse de se multiplier au point de fusionner l’humour, les relations sociales et la mémoire collective. Basé sur des ressources et des solutions de rue simples, son travail tente de reproduire et d’intégrer le corps comme une pensée qui comprend et se résout.

His artistic practice is concerned with the research of procedural knowledge. The kind of knowledge that is not found in books, but is capable of unfolding in different multiple fields. A kind of knowledge that comes from wandering in the street and observing children’s games, which continues to multiply to the point of merging humor, social relations and the collective memory. Based on simple street resources and solutions, his work tries to reproduce and integrate the body as a thought that understands and resolves.

Pablo Rodriguez-Blanco. Complete the sentence Ceramic, concret, 55 x 30 cm. 2018. Photographic credits: Courtesy of the artist. Photographic credits: Sebastian Mejia.

Pablo Rodriguez-Blanco. Exhibition view: Muhammad and the mountain Foam stuffing sculptures, bronze plaque. Dimensions variables, 2016.

// Santiago ESSES

Santiago Esses est un artiste argentin. Il finit récemment ses études aux Beaux Arts de Paris et vit et travaille à Paris. Son travail est constitué principalement d’installations prenant forme de sculpture, photographie, video ou son. L’aspect formel de son oeuvre résonne avec des notions de mémoire et dislocation de signes locaux. Son travail peut être perçu comme une capsule temporelle qui se déplace pour créer une nouvelle interprétation d’un sujet certain.

Santiago Esses is an Argentinian artist based in Paris, France, recently graduated from the Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris. His work consists mainly on installation, presented as sculpture, photography, video or sound. The formal aspect of his work communicates with notions of memory and dislocation of native signs. One can see his work as a time capsule that moves in time and space to create a new interpretation of a certain issue.

Santiago Esses. Acier et photographie contre-collé, 2017.

Santiago Esses. Sans titre (mobilier et photographies), 2017.

// Andrés ANDREANI

Andrés Andreani est un artiste argentin vivant à Paris. Il a fait ses études d’art à l’Université de Buenos Aires et d’art dramatique à l’Université nationale des arts d’Argentine. Au cours de sa carrière, il s’est principalement consacré à la création audiovisuelle, avec notamment la production complète d’une trilogie de longs métrages de fiction. Il explore les relations entre les différentes conceptions du temps, de la mémoire et de la mort. Fasciné par l’entrelacement de la réalité et de la fiction, où il élabore des structures formelles innovantes pour ses narrations. Embrassant avec passion la plupart des disciplines artistiques, il approfondi en ce moment sa maîtrise de la danse classique et contemporaine en vue de prochaines production.

Andrés Andreani is an Argentinian artist based in Paris. He studied Fine Arts at the University of Buenos Aires and later on graduated from the National University of Arts in Argentina in the field of Dramatic Arts. Throughout his career his main focus has been the creation of audiovisual work, including the complete production of a trilogy of full length fiction films. He explores the relationship between different conceptions of time, memory and death. He finds fascination in the overlap between reality and fantasy where he devises innovative formal structures for his narratives. Experimenting with passion within most art disciplines, he is currently training in classical and contemporary dance as part of research for upcoming work.

Andrés Andreani. The weight of the artist (2012). Video, 5 minutesShowed at “Vertical world approaching gravity” General Public, Berlin. Ph. Andrés Andreani.
// Raisa BOSIC

Raisa Bosic fait une analyse des éléments présents dans l’architecture et le paysage urbain, où elle explore leur potentiel dans le dessin et la peinture, en les transformant en abstractions. Ceci souligne problématiser le système de perception et la relation avec l’objet. Le processus d’observation de ces objets est déterminé de manière intuitive. Ce sont des éléments synthétiques et substantiels, mais isolés, ils se transforment en transformant des objets éloignés et éloignés.

Raisa Bosic makes an analysis of elements found in architecture and the urban landscape, where she explores their potential in drawing and painting, turning them into abstractions. This points out to problematize the system of perception and the relationship with the object. The observation process of these objects is determined in an intuitive manner. They are synthetic and substantial elements, but in isolation, they transform, turning extraneous, distant objects.

Raissa Bosic. Simple random sample, Video, 5 min. 20 seg, 2017. Courtesy of the artist.

Raissa Bosic. Folding typology. Enamel on wood, Variable dimensions, 2016. Courtesy of the artist.

// Sofia ROCHA-CASENAVE.

Santiago du Chili 1993. Artiste chilienne qui développe l’idée de l’objet sculptural comme un atout précieux et précieux, indépendamment de sa matérialité ou de son contexte. Ce qui ressort est la grâce qu’elle y met, faisant d’elle un éloge de la beauté. Cette valeur ajoutée répond à un sentiment de nostalgie comme point de départ, faisant allusion à ces restes qui nous entourent de leur harmonie cachée. Dans le processus artistique elle ressent le besoin de combler le vide dans ses souvenirs, la pratique l’a guidée pour remplir ces espaces à travers de grandes sculptures moulées en plâtre ou même à plus petite échelle avec la technique de la cire perdue dans ses bijoux. Elle trouve dans ces processus ancestraux la possibilité de créer ce qui n’est plus là.

Santiago, Chile 1993. Chilean artist who develops the idea of the sculptural object as a precious and valuable asset, regardless of its materiality or context. What stands out is the grace that she puts on it, making her work a praise to beauty. This added value responds to a feeling of nostalgia as a starting point, alluding to those remains that surround us with their hidden harmony. In the artistic process she feels the need to fill the void in her memories, practice has guided her to fill those spaces through large sculptures cast in plaster or even in smaller scales with the technique of lost wax in her jewels. She finds in these ancestral processes the possibility of creating what is no longer there.

Sofia Rocha-Casenave. Poison Shell, 2014. Bronze and Chain. 15 x 45 x 10cm Image courtesy by the artist.

Sofia Rocha-Casenave. What Remains / Lo que queda, 2016. Foam, Plaster and Acrylic, 50 x 50 x 70cm. Image courtesy by the artist.

GALERIE SÉGOLÈNE BROSSETTE (PARIS, FRANCE)

www.segolenebrossette.com

Titulaire d’un master II en médiation et ingénierie culturelle, Ségolène Brossette a développé sa connaissance de la scène artistique internationale à travers les galeries, le commissariat d’exposition, l’organisation de biennales (les Ateliers de Rennes) et de salons d’art contemporain (FIAC, cutlog). En 2013, Ségolène Brossette, en association avec Anne-Cécile Guitard, lançait une plateforme d’expositions nomades, BG Now, autour de la photographie et du dessin. L’objectif étant de sortir des frontières du cadre fermé d’une salle d’exposition en créant de nouvelles synergies tout en défendant les artistes émergents. C’est avec cette même volonté qu’elle a ensuite ouvert les portes de sa propre galerie dédiée à la photographie et au dessin. Depuis, elle a organisé plusieurs expositions et événements tels que le «Parcours Dix-Huit», regroupant une dizaine d’institutions culturelles publiques et privées du 18ème arrondissement de Paris, en partenariat avec le Bal et le Festival Circulation(s).

Artists represented: FABIEN DE CHAVANES, CHRISTINE MATHIEU.

Alors que nous sommes en pleine révolution numérique, Christine Mathieu et Fabien de Chavanes s’interrogent sur nos origines: – Christine Mathieu à travers l’histoire des femmes: la manière dont elles ont pu transcender leur condition grâce à leur créativité En explorant les collections de plusieurs musées nationaux de la Basse et de la Haute Normandie, elle a pu admirer et ensuite photographier des coiffes féminines Normandes et des parures en dentelles à l’aiguille: oeuvres de femmes modestes restées dans l’anonymat. Ces pièces de textiles sont aujourd’hui inscrites au patrimoine national français. «Ce sont, pour moi, des fées de l’ordinaire, des magiciennes du quotidien, elles ont fait entrer dans leurs foyers, par la perfection de leur pratique exigeante, le goût de la beauté, le respect des valeurs associées à la créativité. (…) Il m’a paru important de réinscrire dans le courant de la création artis- tique contemporaine ces témoignages d’une expériences intime liée à l’histoire de la condition des femmes.» – Fabien de Chavanes à travers l’histoire de l’Homme, de l’Homme qui devient un signe, mesure du temps. Fabien de Chavanes a réalisé tout un travail en référence à « l’Homme de Vitruve » de Léonard de Vinci. « L’homme de Vitruve » avait pour vocation de montrer à travers la science et l’art, la perfection du corps humain et son lien avec l’architecture. Les esquisses montrent plusieurs poses en un seul dessin pour donner la sensation de mouvement. Fabien représente quatre variations d’une seule et unique chorégraphie d’un personnage vêtu de blanc ou de noir, à l’intérieur d’un cube blanc. Ce cube devient un cadre. Le corps devient un signe. Le cercle dans lequel s’inscrit « l’Homme de Vitruve » est ici matérialisé par le parcours qu’inscrit au sol le personnage dans son déplacement. Le corps (signe) devient ainsi une mesure du temps. Via leurs œuvres, notre histoire apparaît telle une partition de musique à plusieurs temps. Nous nissons par entendre un chant, un chant du passé d’il y a plusieurs millénaires.
// FABIEN DE CHAVANES
Fabien de Chavanes, Série Opus tessellatum. Sans titre » 2017, Tirage jet d’encre sur papier Fine Art baryté, courtesy Ségolène Brossette Galerie.

Fabien de Chavanes, Série Puits carrés. Autoportrait n°2, 2011, Tirage jet d’encre sur papier Fine Art baryté, courtesy Ségolène Brossette Galerie.

// CHRISTINE MATHIEU

Christine Mathieu, Coiffe normande – Grand bonnet rond, c.1830, Musée d’Art et d’Histoire de Granville, Tirage Hepson Hot press Bright, courtesy Segolene Brossette Galerie.

Christine Mathieu, Coiffe normande, Origine inconnue, Musée d’Art et d’Histoire de Granville, Tirage Hepson Hot press Bright, courtesy Ségolène Brossette Galerie.

 

BY CHATEL FINE ARTS (PARIS, FRANCE)
Artists represented: Nicolas LEFEUVRE, Claire FONTANA.
// Nicolas LEFEUVRE French, 1975, lives & works in Hong Kong. Born in France, after studying at Beaux-Arts in Rennes (France) and architecture/ product design at Camondo in Paris, Nicolas left to travel for almost a year all around Asia.2001 , Nicolas stopped in Singapore where he opened a creative studio/showroom, doing art direction for brands and hosting exhibitions (such as ChinArt town, where he had his first solo show). He becames afterwards creative director for a French luxury house which sent him to Tokyo, Japan, in 2008. His second solo exhibition “the state I am in” was hosted in the Chanel building  in Tokyo, in 2012. After 5 years in Japan, he moved  to Hong Kong, still as an creative director, and also own an independent music label in China.In 2016, he teamed up with photographer Vanessa Franklin to present a collaborative project “Lives & works in Hong Kong” , a series of portraits mixing photography and ink. 2017. Shanghai. ArtCN gallery welcomes his first solo show in China : “Land(e)scapes”, an invitation through blue ink sceneries of mental travels. 2018 . Tokyo . The French Chamber of commerce invites him to show his work through a live performance with the French singer Juliette Armanet. Nicolas works mostly with ink, on paper, using objects (kimono, Japanese wooden shoes, mahjong dices, stamps, ink rollers, wood blocks…). Nicolas Lefeuvre. “Land(e)scapes”, 2018. Nicolas Lefeuvre. “Land(e)scapes”, 2018.
// Claire FONTANA
Claire Fontana est née en 1972 à Strasbourg. Suite à des études axées sur la sculpture et la peinture aux Arts Décoratifs de Strasbourg, elle se spécialise par la suite en sculpture à l’Académie des Beaux-Arts de Carrare (Italie). Elle réside dans son atelier avec son compagnon lui-même artiste / sculpteur sur marbre. Sa pratique d’atelier est fondée sur l’étude du modèle vivant, ce qui lui permet de consolider : mémoire visuelle, sens du rythme, proportions, équilibres et aplombs. Comme les musiciens font leurs gammes cette pratique lui est fondamentale. Claire Fontana travaille à la cire perdue, elle modèle et retouche ses cires sans cesse. La fonte de ses pièces est réalisée par la fonderie Francesco Mutti. Elle travaille également la roche ainsi que le verre, et expose depuis 1999. Claire Fontana. Courtesy By Chatel Fine Arts.

 

KOGURE (TOKYO & NEW-YORK, JAPON & ETATS-UNIS)

www.gallerykogure.com

Artists represented: Taiichiro YOSHIDA, Hidenori YAMAGUCHI, Asuka SAKUMA, Hitomi WATABABE.

GALLERY KOGURE is a gallery which introduces artists on the international stage sparing no effort or time in engaging in expression, irrespective of media, and taking as a concept approaching the true essence of work itself. While it is a given that intrinsic originality is the lifeblood of artists, even in this context we place a particular emphasis on quality and the subcultural characteristics of artworks.

// Taiichiro YOSHIDA

Using the Japanese traditional technique of “toreutics”, Taiichiro Yoshida assembles countless numbers of sensitive yet realistic plant components to form the motifs. He demonstrates the concept of “reincarnation” – lives of countless plants join and form one life form and the life continues by living and dying – in a serious and beautiful style. Yoshida goes beyond the framework of “toreutics” which has been nurtured by the division of labor by artisans and handles all processes solely by his own hands in order to pursue the potential as artworks. His mastery of chemical reaction of metals and heat processing technique by open flame to create the sensitive color representation holds the endless potentialities.

C’est avec grande ingéniosité que Taiichiro Yoshida fait usage du « Chokin », technique traditionnelle du repoussé au Japon, pour donner forme à ses motifs par l’union d’innombrables pièces de plantes reproduites avec grande finesse et à l’apparence véridique. Ces plantes au nombre indéfini se rejoignent en une seule et même Âme, des oeuvres à travers lesquelles l’artiste exprime, en profondeur et avec majesté, la notion de « Métempsychose » où l’Âme transmigre entre la Vie et la Mort. Yoshida a voulu dépasser les frontières du « Chokin » qui se sont façonnées à travers la division du travail artisanal, en s’engageant pertinemment à tout accomplir seul à la main, pour explorer tout le potentiel que cette technique peut avoir dans le monde de l’Art. Et c’est en particulier à travers l’expression raffinée des couleurs, manipulant avec astuce les réactions chimiques des métaux et le traitement thermique par le feu, qu’il nous fait partager et vivre ce potentiel infini. Taiichiro Yoshida. Broiler, 2018, copper, phosphor bronze, stainless, pink gold plating, resin. d12×w12×h20cm Taiiciro Yoshida, parasite, 2018, copper, phosphor bronze, stainless ,silver plating, urethane foam. d17×14×h14cm.

// Hidenori YAMAGUCHI
Hidenori Yamaguchi is an ink brush painter to depict the modern society by the mastery of the use of different ink shades and distinctive taste each shade emits. His expression of light to leave the white space of paper or silk in order to highlight the objects, demonstrated in his woks including the plane view of a city, the contemporary human coming and going over the intersection, the complexly hard-wired rail tracks and the crowded industrial zone along the shore, is simply stunning. His works are soft in tonality due to the scumbling technique, yet always have clear focus on a certain part just like how human eyes work. They have the close resemblance to black and white photos, yet ink paintings breathe as if they were absorbing the gaze of the viewers.
Hidenori Yamaguchi est un peintre au lavis, faisant ingénieusement usage des nuances de l’encre noire et tout le charme des ombres et lumières, pour dépeindre la société d’aujourd’hui. Vues aériennes de la ville, gens d’aujourd’hui se croisant dans un carrefour, rails ferroviaires aux câbles électriques complexes, zones industrielles recouvrant les zones littorales, la lumière fait magnifiquement ressortir ces motifs tout en laissant le blanc du papier ou de la soie. Par l’utilisation de techniques d’estompage, les oeuvres finies donnent une impression tamisée, où la mise au point se fait quelque part sur l’image, tout comme le fait l’oeil humain. Telle une photographie en noir et blanc, le lavis respire comme s’il absorbait le regard de l’observateur. Hidenori Yamaguchi. Throw Away, 2011. Color on Japanese paper. 145.5×89.4cm. Hidenori Yamaguchi. Hopefully, 2009. Indian ink on Silk. 53×33.3cm.
// Asuka SAKUMA
Asuka Sakuma collects very ordinary unneeded articles we cannot avoid discharging as long as we live, and uses them to create her works. Sakuma does not cease to create and nurture her pieces even a single day, seeing no end to the process. The process continues every day, and the works changes ever so slightly every day. She uses only newspaper, box-cutter knives and glue. She claims that her works are all works-in-progress. They may leave her for a while but when they come back, they are back on the continuous process. Her creation process takes a lifetime. For Sakuma, the creation is the proof of living, and the masses that finally complete at her death unearth the emotion that the viewers keep deep inside to calmly carry out conversation.
Asuka Sakuma est une artiste qui collecte tout ce qui nous est devenu hors d’usage, choses ordinaires que nous éliminons au cours de nos vie, mais qui deviennent entre ses mains, les ingrédients composant ses oeuvres. Ses oeuvres sont créées et entretenues chaque jour sans relâche et ne sont jamais terminées. Un travail quotidien par lequel les oeuvres se transforment très légèrement mais incontestablement tous les jours. Journaux, cutters et colles sont les seuls à intervenir dans son Art. Tout est en cours, et même si parfois tout s’arrête lorsqu’elle s’éloigne, tout reprend son cours à son retour, et ce processus de création continuera tout au long de sa vie, nous dit-elle. Pour Sakuma, ces masses dont la création est preuve de son existence, dont la mort sera leur touche ultime et finale, font renaître nos émotions cachées au plus profond de notre inconscient, pour dialoguer silencieusement avec elles. Asuka Sakuma. Etude 2015-03 Water Mirror, , newspaper, uletan2015, 39x37x21cm. Asuka Sakuma. Etude 01, newspaper uletan, 2014, 31×20×14cm.
// Hitomi WATABABE
Witnessing the huge wave that the antiriot police routing numerous helmeted crowd and the student movement confronting the society had ignited in the demonstration on the International Anti-war Day, she could not help releasing the shutter. Her encounter with Yoshitaka Yamamoto, the head of All Campus Joint Struggle League in Tokyo University in 1967 led her to take photos of this student organization. She stayed inside the barricade as the only photographer permitted to take photos, and lived under the same condition as the League members to record their struggles with her camera. All her works are highly valuable as documentary photos, yet they show that right inside the most fierce war zone looked like the free zone, which set them apart from news photos that are meant to reveal the criminal nature.
Devant cette scène où la police anti-émeute répand une armée casquée au nombre indéfini lors de la manifestation de la journée international contre la guerre, où le pouvoir des étudiants s’opposant à la société forme une houle gigantesque, c’est avec spontanéité qu’elle appuie sur le déclencheur de son appareil photo. C’est sa rencontre en 1967 avec Yoshitaka Yamamoto alors à la tête de Todai Zenkyoto (comité de lutte à l’université de Tokyo) qui l’amène par la suite à prendre Todai Zenkyoto comme motif de ses photographies. Seule photographe à avoir été accordée la permission de prendre des photos, elle loge dans la barricade du Todai Zenkyoto et vie jour et nuit avec les membres pour photographier les conditions du conflit. Chaque photographie s’avère être une pièce d’un chronique précieux, et le champs des conflits dont on imaginerait des images des plus violentes, s’affiche pourtant comme un lieu de libération, mettant incontestablement ces photographies à part de celles de la catégorie du reportage à la recherche du sensationnel. Hitomi Watanabe. All-Campus Joint Struggle League in Tokyo University 1968-1969. 1969, 20.3×25.4cm.

Hitomi Watanabe. All-Campus Joint Struggle League in Tokyo University 1968-1969. 1969, 20.3×25.4cm.

GALERIE AKIÉ ARICHI (PARIS, FRANCE)
Artists represented: Go SEGAWA, Vincent VERDEGUER.
// Go SEGAWA
Go SEGAWA crée des sculptures dans lesquelles on peut sentir, à la fois, trois éléments différents du point de vue conceptuel : Les deux dimensions, les trois dimensions et la pesanteur. Cela trouble la perception de l’espace. Go SEGAWA create sculptures in which one can feel three conceptually different elements at the same time: two dimensions, three dimensions and gravity. It confused our perception of space A partir de la notion de la peinture et de la sculpture, il essaie de déplacer le dessin de l’espace à deux dimensions à l’illusion de l’espace en trois dimensions. Et ce sujet amène une question de pesanteur. Alors, par mélange de ces éléments, il crée : From the notion of painting and sculpture, I try to shift the drawing from a two-dimensional space to an illusion in a three-dimensional space. And this raises a question of gravity. By the mixed of those three elements, I create: – des sculptures sans pesanteur / Sculpture without gravity – des sculptures en volume en dessin / Sculptures in volume by drawing Go Segawa. Dessin/volume: Poivron (édition sérigraphie). 17 x 10,1 x 10,1cm.  Sérigraphie sur PVC, 100 exemplaires. Création en 1999. Tirage en mars 2007. Go Segawa. Dessin/volume: Blue & Green  Ed.25. 8,5 x 8,5 x 8,5 cm. Impression jet d’encre sur polyester, 2017.
// Vincent VERDEGUER
Engagé jusqu’en 1987 dans l’abstraction pure, le travail de Vincent VERDEGUER fut d’abord une introspection plastique de la toile en surface et en profondeur au moyen de supports multiples – toile, métal, bois, papier ciré, huile, vinyle, …. Puis vient la greffe née de la rencontre entre le pictural et le photographique dans un ensemble où les matériaux mêlés, triturés, désorganisés sont détournés de leur nature première. La photographie est ce que le corps est à l’âme, un embrayeur de création visible ou invisible. Elle est aussi un moyen de distanciation donneur de sens, qui permet le retour au sujet, alors que l’énergie, l’attaque de la pâte picturale réintroduit la matière perdue de la photo. Vincent Verdeguer est un alchimiste. Son œuvre est vivante, organique ; le papier à texture brute, archaïque, renvoie au corps, à la peau, au message de l’incarnation. Aux frontières des matériaux, il fait advenir un espace entre réalité et imaginaire, qu’il nomme « l’entremonde », dont l’aura vient interpeller le regardeur. Poésie ténébreuse, mythologie figurative peuplée d’êtres étranges enlacés dans les sortilèges d’une dame Nature omniprésente, la nouvelle série de tableaux de Vincent Verdeguer nous projette d’emblée dans un univers paroxystique ; le peintre semble avoir franchi un cap décisif, peut-être irrémédiable. Sa poésie étrange s’est radicalisée, nous faisant pénétrer cette fois-ci dans un voyage pictural de toutes les ambivalences : doux et violent, charnel et métaphysique, ivre de vie et mortifère. Ainsi prend corps : moines encapuchonnés, vieillards à la chevelure enfarinée, sans abris escortés d’oiseaux, poulpes chevelures, monstrueuses autoroutes, terres sacrifiées, mirages d’îles, êtres de couleur aux parfums de caravansérail… La vie, la mort, la solitude. L’osmose entre Vincent Verdeguer et ces thèmes éternels donne là  un fruit d’une beauté glaciale. Ces œuvres nous balancent dans un  rock’n’roll circus de lumières et ténèbres, parfois sur un mode expressionniste, hyperréaliste ou onirique. Les toiles de Verdeguer nous happent, nous procurent une sensation immédiate, comme une brûlure. Elles peuvent nous déranger et s’insinuer en nous… Il y a dans ces ‘’petites histoires d’hommes’’ une impétuosité rare, un élan visionnaire, presque reptilien. Des noces païennes … . Vincent Verdeguer. « Olivier ».

KAMAKURA GALLERY (KAMAKURA, JAPON)

www.kamakura.gallery

Artists represented:  Claude VIALLAT, Tamihito YOSHIKAWA, Kentaro BABA.

 // Claude VIALLAT

At first we would like to show Claude Viallat works those we showed in 1980’s at our gallery. We are very familiar with French artists. Claude Viallat. Solo exhibition 2018. Courtesy of Kamakura. Claude Viallat. Solo exhibition 2018. Courtesy of Kamakura. // Tamihito YOSHIKAWA Second, paintings of Yoshikawa Tamihito. Almost twenty years ago, we introduced his works in Basel. Even it was first time, people at the art fair like his works very much. Last month in Hong Kong, we also sold his paintings. He would have solo exhibition in Paris this October. ` Tamihito Yoshikawa. Solo exhibition 2014. Courtesy of Kamakura. Tamihito Yoshikawa. Solo exhibition 2014. Courtesy of Kamakura.

// Kentaro BABA

Baba Kentaro studied in Milano. His painting is mixture of tradition and modern. Combination of oil and wax makes layer of colors and depth. Even using classical technique the painting become very contemporarily. Kentaro Baba. « La nave 002 » (a ship 002), 2008. Oil, wax on canvas. 36 x 92 cm.
ALG CONTEMPORARY (AIX-EN-PROVENCE, FRANCE)

Artists represented: Julie SUSSET, Jérémy LOUVENCOURT.

Après plusieurs expériences en galeries d’art en France et à l’étranger, Anne-Laure Girard fonde la galerie d’art « ALG. contemporary art » en septembre 2017. Avec la volonté de promouvoir des artistes contemporains français et internationaux, « ALG. contemporary art » souhaite mettre en avant le travail des artistes représentés grâce, d’une part à une présentation unique en ligne – un pari risqué mais qui fait sens à l’heure où le numérique prend une place prépondérante dans le marché de l’art – et d’autre part grâce à la programmation d’expositions itinérantes et éphémères. « ALG. contemporary art » participe également à des foires et salons d’art contemporain.

// Julie SUSSET

Artiste autodidacte, Julie Susset nous donne à contempler un travail qui est avant tout sensoriel, guidé par une découverte spontanée dont les inspirations se nourrissent d’une sensibilité qu’elle acquiert par ses nombreux désirs de voyages. Vibrantes, entre abstraction et figuration, les œuvres de Julie amènent le spectateur à laisser son esprit vagabonder au fil des toiles. Il éveille alors sa curiosité et part à la découverte de l’imperceptible au delà du visible.

Self-taught artist, Julie Susset gives us to contemplate a work that is primarily sensory, guided by a spontaneous discovery whose inspirations feed on a sensitivity that she acquires through her many travel desires. Vibrant, between abstraction and figuration, the works of Julie lead the public to let its mind roam over the paintings. The spectator then awakens its curiosity and sets off to discover the imperceptible beyond the visible.

Généreuse, sincère, vivante, c’est ainsi que l’on peut qualifier à la fois l’artiste et son œuvre, une découverte multiple des sens, oscillant sur les fils de la fragilité et de la folie. Generous, sincere, lively, this is how we can describe both the artist and her work, a multiple discovery of the senses, oscillating on the threads of fragility and madness. Julie Susset, Storm, 2017, Mixed media on canvas, 114x146cm. Julie Susset, Explore, 2017, Acrylic on canvas, 210x210cm.

// Jérémy LOUVENCOURT

Jérémy Louvencourt est né à Chécy en 1989 ; il vit et travaille à Paris. L’artiste nous invite à une dualité dans la contemplation de ses travaux. Son œuvre peut être abordée d’une vision microscopique, celle qui révèle l’infiniment petit. Dans cette observation, le minutieux tracé laisse apparaître des micro-organismes, mouvant sous l’œil intrigué de celui qui observe. Jérémy Louvencourt was born in Chécy in 1989; he lives and works in Paris, France. The artist invites us to a duality in the contemplation of his work. His artwork can be approached with a microscopic vision, one that reveals the infinity small. In this observation, the meticulous drawing brings microorganisms out, moving under the intrigued eye of the observer D’un point de vue macroscopique, le regard se pose sur des formes psychédéliques dont la finesse du trait et la pluralité des motifs pourraient tout à fait prendre part à une parure décorative, un tissu ou encore un papier peint.

From a macroscopic point of view, the gaze is set on psychedelics forms whose fineness of line and plurality of patterns could quite take part to a decorative ornament, a fabric or wallpaper. Here and there are successive repetitions of circular movements that create hypnotic, invasive visual effects, winding sensations, swellings, and, which is initially just in surface, turns into texture and then in space. It has the feeling of a supple, soft material, close to the textile.

Il s’agit ici et là de répétitions successives de mouvements circulaires qui créent des effets visuels hypnotiques, envahissants, des sensations d’enroulement, des renflements, et, ce qui n’est au départ qu’une surface, se transforme en texture puis en espace. On a la sensation d’une matière souple, moelleuse, proche du textile. From a macroscopic point of view, the gaze is set on psychedelics forms whose fineness of line and plurality of patterns could quite take part to a decorative ornament, a fabric or wallpaper. Here and there are successive repetitions of circular movements that create hypnotic, invasive visual effects, winding sensations, swellings, and, which is initially just in surface, turns into texture and then in space. It has the feeling of a supple, soft material, close to the textile. Jérémy Louvencourt, 2017.

COURCELLES ART CONTEMPORAIN (PARIS, FRANCE)

Artists represented: Anne-christine RODA, Corinne HÉRAUD, Marie-Caroline LEMANS, Vincent DESCOTILS.

// Anne-christine RODA

Anne-Christine Roda donne à voir des portraits qui se pourront qualifier d’hyperréalistes, et donc proche d’une démarche photographique, tout en révélant avec une singulière acuité, par la matière par exemple, l’être profond de celui ou de celle qui prend la pose. Anne-Christine Roda defines a highly original interpretation of the portrait: in her work the painting is entirely subjugated to the portrayal of man’s fragility.  Ses sujets de prédilection : les portraits et les nues et quelques scènes de vie. Non contente de savoir rendre l’aspect de la peau humaine incroyablement réaliste, avec ses rides, ses sillons et ses plis, Anne-Christine Roda est aussi capable de recréer l’illusion de la matière qu’elle parvient à reproduire à la perfection, et ce qui sort de son atelier est pour le moins spectaculaire et fascinant. Her paintings, in terms of the choice of pose for her models and the neutral treatment of their backgrounds are as rooted in tradition, as her subjects are sourced unequivocally from our contemporary era.  Her choice of subject speaks directly to our everyday lives. Les corps nus ou presque ainsi que ses portraits sont comme un arrêt sur image. L’évocation est sensuelle, sensible, plus vraie que nature, douce et apaisante, et enfin sans artifice. Thanks to her training as a picture restorer, Anne-Christine, with each meticulously applied layer of paint gradually reveals her sitters face in all its naked intimacy.  The features emerge with precision and realism.  Pour Anne-Christine Roda, l’on sent bien que l’hyperréalisme ce n’est pas seulement d’aller chercher un maximum de détails, mais c’est surtout un moyen de parvenir à aller chercher un maximum d’émotions en installant ses modèles dans une expression très intérieure. The technique of precision exercised in the treatment of each face extends also to the sitter’s body and clothes.  These latter anchor the composition firmly in our era through the creases of a crumpled tee shirt, the delicate embroidery on a bodice or a simple tattoo. It was the dawn of photography amongst other things that heralded the decline of the painted portrait and yet it is from a photograph that Anne Christine works, ultimate proof that while digging deep into the traditions of her art form she distances herself from this very tradition in seeking a naked rawness in her representations. The artist’s visual interpretation of her subject, the viewer’s gaze on the work of art, that questions the representation of reality- when the painting becomes both a reflection and a fragment of humanity. Anne-Christine Roda. Manya III – 2018 – 80 x 60 cm – Huile sur bois. Anne-Christine Roda. Attachement III – 2018 – 40 x 40 cm – Huile sur bois.

// Corinne HÉRAUD

Née en 1971 à Villefranche-sur-Saône, vit et travaille à Pizieux (Sarthe). Autodidacte. Born in 1971, Corinne Héraud lives and works in Pizieux (France). Self-taught. Après une expérience professionnelle éloignée de la photographie, Corinne débute sa carrière d’artiste avec une première exposition en 2006 qui marquera le début d’un travail dans lequel l’intime occupe une grande place. Elle mène une recherche portant sur un questionnement introspectif qui creuse au cœur de notre nature humaine. Les thématiques de l’identité, de l’image et des solitudes sont ainsi abordées. Profondément inspirée par le mouvement pictorialiste, la recherche perpétuelle de processus permettant de donner un caractère unique à chacune de ses photographies oriente fortement sa démarche. Corinne se tourne vers des techniques qui nécessitent une intervention manuelle pendant laquelle l’image s’incarne en une matière que la main façonne. Le caractère aléatoire des manipulations rend chaque photographie unique.

Corinne Héraud conducts work based on an introspective questioning that digs down at the heart of our human nature. The artist’s favored topics are identity, image in society and solitudes. Deeply inspired by the pictorialist movement, Corinne Héraud guides her approach towards a perpetual research of processes that give a unique character of each photograph. She employs techniques that require manual intervention that allows to « embody » the image in material that hand shapes. The randomness of manipulations makes each photograph unique.  Corinne Héraud. Corpus #2 – 2017 – 20 x 20 cm – Photographie et technique mixte à la feuille d’or 23 carats sur bois. Corinne Héraud, Corpus #3 – 2017 – 20 x 20 cm – Photographie et technique mixte à la feuille d’or 23 carats sur bois.

// Marie-Caroline LEMANS

Marie-Caroline Lemans est céramiste. Elle travaille la sculpture à la plaque. Elle réalise des boîtes ou des architectures avec une succession de plaques permettant l’entrée de la lumière, et créant ainsi un jeu d’ombres enchanteur. Dans ses pièces, elle intègre la photocéramique, créant ainsi des univers qui deviennent à la fois contes et mémoire mais aussi projection. Ces photosculptures sont un monde dans lequel nous pourrions entrer, comme une invitation à la rêverie, à la balade. Et comme Alice, nous pourrions rêver y pénétrer, nous y perdre et rêver encore. Promenons-nous dans les bois pour voir si…

Marie-Caroline Lemans is a ceramist. She works plate sculpture. She makes boxes or architectures where light comes inside and makes shadows play. She integrates ceramic-photo on the walls. These architectures become tales, memory and are a  magic world in which we could enter, as an invitation to dream and to live a fantastic experience. Marie-Caroline Lemans. Galerie Passagère, Vue 2 – 2017 – 18,5 x 18,5 x 18,5 cm – Sculpture en grès noir et photocéramique. Marie-Caroline Lemans. Promenons-nous dans les bois, Vue 3 – 2017 – 18,5 x 18,5 x 18,5 cm – Sculpture en grès blanc et photocéramique.

// Vincent DESCOTILS

Vincent Descotils est né en 1965. Il vit et travaille à Combs-la-Ville. Vincent Descotils is born in 1965. He lives and works in Combs-la-Ville (France). Photographe, plasticien, scénographe et dessinateur, il a réalisé plus d’une vingtaine d’expositions et travaille régulièrement avec les arts visuels, notamment les compagnies de danse contemporaine. Photographer, his universe takes us to the border of the fairy tale, where the woman is still a child, threatened by the future. He opens us the doors of a dreamlike universe tinged with black, seizing the young women as in full dream. His photos are as immediate ones of our childhood memories, a universe in black and white of whom details become blurred over time. Son univers nous emmène à la lisière du conte de fée, là où la femme est encore enfant, menacée par le devenir. Il nous ouvre les portes d’un univers onirique teinté de noir, saisissant les jeunes femmes comme en plein rêve. Ses photographies sont comme des instantanés de nos souvenirs d’enfance, un univers en noir et blanc duquel les détails s’estompent au fil du temps. Vincent Descotils photographie le processus de la mémoire. Ses clichés sont comme le résultat de fouilles de notre inconscient, mettant au jour les souvenirs qui y sont enfouis. Il est comme un archéologue, il cherche le daguerréotype dans l’image contemporaine.

Vincent Descotils photographs the process of the memory. His pictures are the result of searches of our unconscious, bringing to light the memories which are buried there. He is as an archaeologist, he looks for the daguerreotype in the contemporary image. Le travail de Vincent Descotils nous permet de voyager dans le temps à travers son formidable pouvoir d’évocation, tout en restant simple et efficace. Ce serait peut-être une affaire de croyance, au sein d’un jeu de découvertes et de fuites. Nous nous plongeons dans sa photographie comme des aveugles tâtonnant formes et textures, devenues nouvelles. Vincent Descotils. Les sentinelles, La route noire, 4 sur 5 – 2017 – Diametre 17 cm – Tirage au charbon marouflé sur bois. Vincent Descotils; Les sentinelles, Les pavés, 4 sur 5 – 2017 – Diamètre 17 cm – Tirage au charbon marouflé sur bois.

V & E Art (TAIPEI, TAIWAN)
Artist represented:  GARY TU.
V&E Art est créée en 2016 par Vermeer CHEN à Taipei, Taiwan. L’équipe de V&E Art se consacre à la promotion d’artistes exceptionnels sur le marché International et aussi fait des échanges d’art culturels entre asiatiques et Français.
// GARY TU
Gary TU est un artiste Taïwanais, spécialisé en décrire l’image des femmes et dans la mode avec l’aquarelle.Il est bien de capturer l’âme de femme en combinant les spécialités culturelles de l’ouest et de l’est, l’aquarelle et l’encre d’ombre et de lumière dans ses œuvres. Dans son voyage, l’oeuvre de Gary Tu a cette faculté d’échapper au temps. Une destinée prise en main par la présence de figures évanescentes, aux gestes qui forcent l’imagination, vers un ailleurs dont on ne connaît pas l’issue. Gary TU is a Taiwanese artist, specialized in describing the image of women and in fashion with watercolor. It is good to capture the soul of women by combining the cultural specialties of the West and the East, watercolor and ink, shadow and light in his works. In his journey, Gary Tu’s work has the ability to escape time. A destiny taken in hand by the presence of evanescent figures, gestures that force the imagination to an elsewhere whose outcome is unknown. Gary TU, Exhibition view.

Gary TU, courtesy V & E Art.

GALERIE ANNIE GABRIELLI  (MONTPELLIER, FRANCE)

Artists represented:  Muriel BORDIER, Alexandre GILIBERT, Mami KIYOSHI.

Depuis sa création en octobre 2011, la galerie annie gabrielli expose des artistes dont l’œuvre interroge. Privilégiant à l’origine des artistes dont la démarche s’inscrit principalement dans le champ de la photographie, suivant toujours une ligne axée sur la notion d’humain (et d’humaine), elle s’est orientée progressivement vers la pluridisciplinarité (installation, vidéo et dessin). La galerie propose cinq à six expositions par an (en grande majorité d’artistes femmes). Annie Gabrielli fait partie des experts (Photo Folio Review) aux Rencontres Photographiques d’Arles depuis 2013.

// Muriel BORDIER Muriel Bordier – Northern part. Muriel Bordier, L’annonciation. // Alexandre GILIBERT Alexandre Gilibert- Ce pour quoi je vécus. Alexandre Gilibert, Photogenic Drawing n°2. // Mami KIYOSHI Mami Kiyoshi, Famille Ochiai.

S.Y.S.T.E.M.A  (OSAKA, JAPON)

Artists represented:  Hakuseki IWAI, Katsu ISHIDA, Miho ISHIHARA, Yuki HARADA

The only one gallery in japan, dealing japanese contemporary art. We call it « NEO-JAPO » based on traditional style but completely contemporary arts. Bangkok post wrote about us RETURN to TRADITION ». Almost Japanese arts are based on traditional japanese style or western style fine or contemporary arts. Therefore some artists do not have space to live in World of japanese arts .This is reason why we started SYSTEMA GALLERY and we show « NEO-JAPO » to all over the world in many ways. We exhibits domestic and abroad museum, Biennale and art fairs. We also do many exhibitions at our gallery in japan and kathmandu. SYSTEMA GALLERY was restarted in 2010 and changed its development path to commercial gallery. It focuses on promoting the Japanese artists who specialize in working with both traditional and contemporary Japanese work. This is the only one dealing with  (Japanese x contemporary) work in Japan.

// Katsu ISHIDA Katsu Ishida. Exhibition view SYSTEMA Gallery. Katsu Ishida. Exhibition view Art Stage Singapour 2017.

// Miho ISHIHARA Miho Ishihara. Exhibition view SYSTEMA Gallery.

// Hakuseki IWAI Hakuseki Iwai. Exhibition view SYSTEMA Gallery.

// Yuki HARADA Yuki Harada. Exhibition view SYSTEMA Gallery. Yuki Harada. Exhibition view SYSTEMA Gallery.

// WINARTS (MILAN, ITALIE)

www.winarts.it

Artists represented: Daniele FORTUNA, Leonardo GAMBINI, Martina GRLIC, Sanja MILENKOVIC.

Winarts, founded in Milan in 2006, promotes young talents to spread art to sensitive and passionate people. On the basis of their personal and professional experience, Benedetta Crippa e Martina Moglia together with experts and art professors meet artists and young graduates in Art Academy, select their work and follow them in their artistic journey. During these years Winarts organized many exhibitions with Italian and foreigners artists in their own gallery and in different unconventional spaces in Milan. They also took part in some Art Fairs.

// Daniele FORTUNA

Daniele Fortuna, after graduating at the IED in Milan, moved to Ireland looking for new challenges. In Kilkenny, next to Dublin, he collaborated with a lighting designer during his free time. The relationship with the nature of the Irish landscape inspired him to find a new way of expressing himself and he chose to leave the virtual world and started to use a natural material, the wood. His works are mainly made of wooden coloured painted and assembled dowels like a puzzle. The natural material has been cut, treated and transformed into a new object. That’s how he creates his works in his workshop in Piacenza that smells of paint polish and wood. He participated in many exhibitions in Italy and abroad (Prague, Monte Carlo, Zagreb, Beijing, Shanghai and Paris). Fortuna Daniele Iron lady 20cmx12cmx10cm sculpture made by iron 2017, Winarts.

// Leonardo GAMBINI

Leonardo Gambini (born 1994) lives in  Milan and currently  studies at Brera Academy of Fine Arts. Since 2014 his artistic research focuses on the minimalism and on the forms study created by the overlap of Methacrylate sheets assembled inside a case. Born as a street art artist with a realistic style, he slowly left that style for the conceptual art. He participated in many exhibitions in Italy and abroad ( Frankfurt and Shanghai ) and also in different Art Fairs. He was mentioned by the principal Italian newspaper ( Corriere della Sera ) as one of the promising young artist. Gambini Leonardo. NO TITLE, 20x40x8cm. Courtesy Winarts. Gambini Leonardo, visible and invisible. Exhibition view.

// Martina GRLIC

Martina Grlic was born in Zagreb in 1982. She graduated from the Painting Department of the Academy of Fine Arts in Zagreb in 2009 . Since 2008 she has exhibited in a number of solo exhibition and participated in many group exhibitions in Croatia and abroad (Spain, France, Slovenia, China, Italy). Grlic belongs to a new stream of Croatian painting, which focuses on the figurative in art and on the narrative potential of the painting. Her body of work is a critical reflection on the changes that took place and are in fact still happening in the post-socialist societies.She won the first prize New Fragments 8 with Erste bank project for young artist. In 2014 she participated the residency program in Glo’art Belgium. She lives and works in Zagreb. Grlic Martina. CEREMONY, 40x50cm, oil on canvas, 2017. Winarts

// Sanja MILENKOVIC

Sanja Milenkovic was born in 1983 in the city of Nis, Serbia, where she made her studies in Art. When she was 18, she moved to Milan and graduated in Brera Academy of Fine Arts. After several exhibitions in different places in Europe (Milan, London and Paris) in 2017 she had the opportunity to become part of the finalist group of artists of Arte Laguna Prize and exhibit at Venice Arsenal. She won two special prizes in this competition: one was artist residency at Espronceda Center of Art&Culture in Barcelona and the second prize was a major solo exhibition at Fernando Santos gallery in Porto, Portugal in March 2018. In these paintings, the human figure is always important, not only to clarify us in relation to scale, but also to give the painting a sense of freedom and infinity. The human figure gives painting a rhythm and viewers are free to imagine the scene in two different dimensions opposed but complementary. The background is sometimes abstract which puts in evidence the main plan where figuration gets realism. Milenkovic Sanja. Paris under construction, 85×120 cm, acrylic on canvas, 2016. Winarts. Milenkovic Sanja, JUMP, 2017. Acrylic on canvas 121×121 cm. Winarts.jpeg

  KEY DATES/DATES CLES:

Preview: (invitation only)

October, 18, 2018 ♦ 11am-05pm

Opening & Vernissage: (invitation only)

October, 18, 2018 ♦ 06pm-10pm

Public days:

October, 19, 2018 ♦ 12am-08pm

October, 20, 2018♦ 10am-08pm

October, 21, 2018 ♦ 10am-06pm

(prix public: 15 euros / Tarif réduit: 8 euros)

Informations request:  paris@yia-artfair.com

Credit: Grégory Copitet